Saturday, 31 May 2008

Una de versiones (Dirty Mac, The Beatles y Andrés Calamaro)


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John Lennon, Eric Clapton, Keith Richards, Mitch Mitchell... ¿qué más se puede pedir? Pues por ejemplo Mick Jagger, que también sale en este vídeo.
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Mi intención era meter únicamente la versión de esta banda del Yer Blues beatleniano, pero por suerte he empezado a husmear por YouTube y me he topado con el vídeo de otra deliciosa versión: el Please Mr. Postman de las Marvelettes según los Beatles. Esta canción fue el primer éxito del Sonido Motown, e influyó decisivamente en el desarrollo del Soul y del Rhythm and Blues. Vamos, que es un puto clásico.

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Y ya que me he puesto a hablar de buena música, dejo aquí la entrevista que recientemente hizo Buenafuente al maestro Andrés Calamaro y la íntima, pausada y excelente versión que nuestro salmón hizo en directo de una de las canciones de su último disco: Mi Gin Tonic.

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Mi Gin Tonic:

Friday, 30 May 2008

PD

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Una fecha más para poder disfrutar de "Hambre de sordidez", cortometraje de María Rubio: Domingo 1 de Junio en el Centro de Historia de Zaragoza (12 de la mañana aproximadamente). Yo allí estaré.

Hambre de sordidez


Mañana hay una cita ineludible para cualquier zaragozano aficionado al cine -y al arte- que se precie.

Thursday, 29 May 2008

Avances (Synecdoche: New York, Paranoid Park, My Blueberry Nights, Beverly Hills Chihuahua, Vicky Cristina Barcelona y Wanted

1.




Una sinécdoque es esto

Empezaré con el peso pesado de esta entrada: Synecdoche, New York, es el paso del maestro Kaufman a la dirección. Dicen las malas lenguas que en un principio el famoso guionista pensó en el genio -y para él también amigo- Michel Gondry, pero que éste se apeó del proyecto por considerarlo "demasiado complejo" (tras ver el trabajo de ambos en ¡Olvídate de mí!, dudo mucho que la anécdota sea cierta).


Lo que sí es un hecho es que cuenta con actores de la talla de Philip Seymour-Hoffman, y que narra la historia de un dramaturgo en crisis existencial que para superar sus problemas escribe una colosal obra en la que el escenario es toda la ciudad de New York. En Cannes ya ha convencido, y desde allí se dice que el film es bastante complejo, pues parece que no todo el mundo ha entrado en sus recovecos (aunque en general se ha percibido la brillantez). Entre todos estos comentarios y el -maravilloso- recuerdo que guardo de Adaptation y del ya comentado film de Gondry, se me hace la boca agua... para mí Kaufman está, sin ninguna duda, en el top ten de lo más interesante del cine contemporáneo.


2.

Esto huele a nueva giliElephantpollez




Paranoid Park, lo nuevo de Gus Van Sant (para bien o para mal).


3.

Si sales tú, mi adorada Natalie Portman, trago con lo que sea




Con My Blueberry Nights Wong Kar-wai traslada su peculiar universo visual a Occidente, y se comenta que en el cambio se le han visto un poco los ases que solía ocultar bajo su manga, a saber: mucho colorín y aún más tontería pretenciosa. Pero eso es algo que yo ya veía en su cine desde el principio, así que no sé que necesidad había de que viniera aquí a ponerse en evidencia.

Pero bah, le daré una oportunidad porque realmente hay cosas mucho peores que Kar-wai en el séptimo arte (lo cual no quita que haya mil autores orientales mucho menos valorados y conocidos en Occidente y bastante más interesantes que él) y además sale nuestra Natalie. Bueno... ¡no sólo ella!
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¿No tiene mal gusto el chinito, eh? Rachel Weisz será musa joellovesclementiniana, ¡prometido!


4.




La nota surrealista de estos breves avances. Parece un coña, pero os juro que es verdad. Sólo añadiré:




5.



Woody Allen vuelve con otra de sus comedias "ligeras e inteligentes" (y van...). No será Match Point, pero tampoco hace falta. Con que siga con su ritmo de película al año a mí me vale. Y por supuesto, no me puedo olvidar de que nuestra musa Scarlett volverá a ponerse frente a otra musa joellovesclementiniana... ¡Penélope Cruz! Esperemos que no salga tan mal parada como la vez anterior.

6.




Este avance ya es sólo por la foto. Aunque Angelina Jolie no es santo de mi devoción y cada vez se parece más a una muñeca de cera, he de reconocer que de espaldas y aceitosa mejora. La película -si es que se puede llamar así a algo que cuente con esta pésima actriz- se titulará Wanted.

Recordando... My Best Friend's Birthday: la primera (y semidesconocida) película de Quentin Tarantino



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My Best Friend's Birthday es el primer film de un jovencito Tarantino. La película original tenía una duración de casi 70 minutos, pero un incendio la dejó en 34. La versión sobreviviente ha sido mostrado en diferentes festivales de cine, pero nunca ha sido publicada oficialmente.

"Mami, voy a ser el mejor"

Sydney Pollack...

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... ha muerto. Este irregular (pero inolvidable) actor/director deja grandes obras en su haber. Como homenaje, y por no recordar a cualquiera de sus películas famosas conocidas por todos, os recomiendo el visionado de ésta.
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Monday, 26 May 2008

Indiana Jones (y el reino de la calavera de cristal): de la más pura aventura clásica al nostálgico batiburrillo cómico pasado de vueltas



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Si no has visto la película y no quieres enterarte de nada, NO SIGAS LEYENDO, porque en un instante voy a comentar de pasada la pésima y chirriante trama alienígena, el burdo homenaje a Tarzán (etc.), los innecesarios e inexplicables topos, y más y más y más.

Pensaba ser muy destroyer con esta entretenida (porque entretenida es, para qué negarlo) basura (porque basura es, para qué negarlo), pero ahora estoy viendo por la televisión El templo maldito y qué queréis que os diga: la recordaba mejor. Y eso me ha hecho reflexionar; ¿cuánto de la mirada de George Lucas y Steven Spielberg perdura en "nuestro" Indiana Jones? ¿No será nuestro recuerdo más fuerte que la saga en sí, no será que se impone la visión que tenemos de ella desde un prisma infantil? Porque éramos niños (o al menos yo lo era) cuando vimos años atrás a un joven Harrison Ford con látigo entre serpientes.
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"A los 80, hijo mío, siempre alegra sentir de vez en cuando algo duro entre las manos"

Ayer en el cine, entre mis escépticas carcajadas y las miradas de incredulidad que compartí con Salmon Sebastian y rOBER, se filtró una risa a mi izquierda y me giré. Allí había un pequeño, con cojines en el culo para estar más alto; un niño con risa franca disfrutando como el enano que era. Seguramente yo con esa edad me habría reído igual, pero el tiempo pasa. E inocencia poca me queda. Inmaduro, puede que lo siga siendo, pero inocente -sobretodo cinematográficamente hablando-, no.

Así que en un principio me dije: voy a eliminar de mi cabeza todas las expectativas y recuerdos infantiles de la saga y voy a analizar objetivamente lo que he visto, separada de las otras tres. ¿No es eso lo que quieren los propios responsables? George Lucas dijo que era una película más, que no estábamos ante la segunda resurrección de Cristo; bla, bla, bla. MENTIRA. Si no querían que las comparaciones fueran odiosas, que no hubiesen vivido del pasado. Porque homenajes al resto de la saga, en esta entrega hay tantos que saturan. Y sin embargo, una vez metidos en la senda de la nostalgia (nostalgia no sólo de Indiana Jones, sino de Tarzán -Shia colgado en las lianas da vergüenza ajena- y de toda la historia del cine clásico -Shia de nuevo, motero en la estación (etc.)-), una vez que descubres que han decidido ser devotos del espíritu de aventura clásica que imperaba en el resto de películas de esta franquicia, van y no son absolutamente nada fieles, yéndoseles la puta olla pero bien.

"George, qué te parece meter tres topillos tras salir Harry volando metido en una nevera..."


No creo que se pueda analizar por tanto este film sin tener presente las sensaciones de anteriores películas o el recuerdo que de ellas tenemos, al igual que los propios directores no han podido evitar homenajearlas cada segundo, así que no lo haré (y casi mejor, porque quizás saldría aún peor parada. El ejemplo perfecto es el de mi Clementine: aunque parezca increíble, no había visto ni una de las anteriores películas, y esta no obstante le pareció malilla.
Tendemos a infravalorar subproductos como las búsquedas de Cage o la saga de La Momia por el sólo hecho de haber copiado descaradamente el espíritu de Indiana pero una vez puestas todas estas ofertas encima de la mesa, sin “perspectiva histórica”, ¿en qué se diferencian unas de otras? Tras tanta calcomanía, llega una nueva versión del original y descubrimos que las distancias con sus duplicados son más pequeñas de lo que pensábamos: sin tener en cuenta a los tres films originarios, quizás estuviese poniendo peor a esta película. Es más, lo más probable es que ni hubiese ido a verla).

George Lucas es un desgraciado. Eso que vaya por adelantado. Lo único que hizo bien en su vida fue llevar al western más cateto y simplista hasta el espacio y encender la máquina registradora. ¡El resto de su vida ha vivido con el piloto automático! Junto a los Wachowsky (no vayáis a ver Speed Racer, por favor), es sin duda uno de los directores de ciencia ficción más sobrevalorados de la puta historia. Y para más inri, su saga galáctica cambió en su momento la manera de ver el cine como industria (a peor, por supuesto).
Vivimos en la era Lucas. Indirectamente, gracias a él existen Los ángeles de Charlie de Mcg y la Catwoman de Pitof; gracias a él tenemos que sufrir la saga de Harry Potter y Shrek. O los Piratas del Caribe, o las ya comentadas búsquedas de Cage. Pero no me quiero ir por las ramas: he empezado a hablar del “gurú” Lucas porque por él pasaron mil y un guiones durante unos 13 putos años hasta que dio con el que quería. Él, y sólo él, era quien exigía que el MacGuffin de la película fuese un mundo alienígena. Y yo me pregunto, ¿si éste era el mejor guión cómo serían los otros? Miedo me da imaginarlo.
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"Ok, Steven, así que me tengo que calzar esta mierda para volver a poner de moda el estilo Annie Hall"


Cuando he dicho antes lo de la ida de olla me refería precisamente a esta trama alienígena impuesta por Lucas, más típica de Mulder y Scully que de nuestro arqueólogo. Es cierto que esta saga nunca ha sido un ejemplo de fidelidad científica, pero no, no paso por esta piedra: ver a Indiana Jones ante un platillo volante resulta verdaderamente ridículo y forzado (a la altura del vergonzante diálogo que acompaña a las imágenes -cito aproximadamente-: Indy/Ford: “Dónde irán, ¿al espacio?” Hurt: “No: al espacio que hay entre los espacios”). Al menos es de agradecer que la calavera de cristal no sea al casco de Darth Vader… aunque bien mirado, ya que se ponían…

Aunque parezca increíble, dentro de esas columnas vive un poblado indígena


Pero aceptemos por un momento la trama alienígena: ¿no se podría haber hecho mejor? Reproduciré algunas de las reflexiones hechas desde Dimensión Fantástica: "... para qué los rusos montan un pollo de Dios en una base militar norteamericana, si su objetivo es sólo el cuerpo de un alien de Roswell, cuando la jefe de ellos comenta de que tienen en su poder otros dos más que cayeron en Rusia. Es decir... ¿No les bastan dos marcianos muertos? ¿Para qué un tercero? (...) ¿Qué hace el cuerpo del marciano robado en medio de la jungla sudamericana en el campamento ruso a pecho descubierto? ¿No se pudre o huele o se descompone? ¿Por qué no lo guardan refrigerado? (...) si todos los esqueletos estaban juntos y tal, por qué entonces no formaban dicha conciencia colectiva y ya volaban con el ovni a tomar por culo antes de que viniera un nota (Orellana) y jodiera el cráneo a uno. Si los marcianos daban un premio por haberles devuelto el cráneo, y la rusa pide el conocimiento absoluto, vaya putada le hicieron. A la tía se le revienta la cabeza y se le queman las ideas (...) ¿Cuando todos los esqueletos se unen en una única conciencia era necesario enseñar un marciano?"

Por otro lado no sé de qué nos sorprendemos: ya es la segunda vez que Spielberg jode una película por culpa de los putos marcianos (sí, estoy hablando de la cuasiperfecta Inteligencia Artificial -película a la que únicamente le sobra, como imaginaréis, los marcianitos de los cojones-).


Como en La jungla de cristal, hay una cierta tendencia al más difícil todavía que resulta abrumante. En la primera, un edificio; en la segunda, un aeropuerto; en la tercera, la ciudad de Nueva York; en la cuarta, el mundo. La jungla de cristal sólo va un paso por detrás de Indiana Jones, porque lo más probable es que en la siguiente entrega veamos una trama intergaláctica, "John McClane y la calavera de cristal", o algo peor.
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"¡Shia, tú síguelos por las lianas!"


A los cinco segundos ya te sientes estafado. Te llevan vendiendo meses en la promoción que se va a recuperar el sabor antiguo de las viejas películas, sin pantallas verdes ni ostias, y lo primero que ves es a un topo digital bastante cutre salir de su madriguera, para a continuación visualizar una de las escenas más innecesarias y sobrantes de la historia del cine, todo por recordar a la mediocre American Graffiti, film pre-Star Wars de Lucas que a estas alturas de la vida nadie recuerda. Y una mención aparte merece el antológico “momento nevera”. Pero bah, paso de seguir analizando detalles. La película empieza sin nada de gancho y Cate Blanchett, como siempre, está fatal (sí, no soy objetivo con esta chica: la detesto). Yo creo que es tan mala al comienzo para que rebajes las expectativas creadas previamente y acabar disfrutando. Porque al final resulta entretenida -y muy graciosa, aunque no para bien-, gracias al saber hacer del genio Spielberg, que salva de la quema casi todo lo que toca (Guerras de los mundos aparte).
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"Con todos ustedes, Bob Dyl... estooo, Cate Blanchett"

Es que me imagino una escena con Spielberg y Lucas borrachos llamando a su sobrino de seis años por teléfono tal que así: “Lucas Jr., ¿qué quieres ver en la nueva de Indy? Venga, lo primero que se te ocurra. ¿Topos? Ok. ¿A Harrison Ford volando dentro de una nevera tras una explosión nuclear? Mmm… sí, creo que podremos meterlo. Jaja ¿qué? ¿indios que salen de entre las piedras sin ton ni son? Vale, vale, eso no es nuevo. ¿Alienígenas? ¿Indiana con un hijo motero que se desliza por lianas como Tarzán? Jajaja, ¿algo más? De acuerdo, una boda al final con la misma iluminación pastel que la del desenlace de la trilogía del Señor de los Anillos. Jaja, Lucas Jr., ¡qué crack! Nos lo has puesto difícil pero se hará lo que se pueda!”. Fin de la conversación.
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Resumiendo: La peor entrega de una saga sobrevalorada por una inocencia infantil ya perdida.

¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? Pues en este caso, sí. No sé adónde habrá ido a parar la vieja esencia del cine de aventuras… quizás “al espacio de hay entre los espacios”:-) Inevitablemente, siempre que se mira atrás es con nuevos ojos. Decepcionante entretenimiento, sí señor.

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Han Solo me ha dicho que Modern Times no es tan bueno!"

La pena o la nada (Nacho Vegas)



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Sé que tiempos más duros
aún están por venir,
que algunos días de mayo son
más lluviosos que los de abril.

Me clavaste ambos ojos,
y aún recuerdo tu voz:
la vida es parte buscar placer
y parte hallar dolor.

Y en tu mirada mojada
vi que rezabas por mi alma, oh señor.
Y te vi llorar, un río a cada lado
de tu rostro sin desmaquillar,
como la propia Katy Jurado
con las nubes negras detrás.
Te vi llorar, y qué podía hacer,
(qué podía hacer)
si me hundía sin poder ponerme yo a llorar también.

Y en tales circunstancias,
cómo iba yo a actuar,
mi alma se volvió a anclar,
te oí, cansada de naufragar.

Pero aunque ahora arda un fuego,
o brille en el cielo el sol,
sólo son tus dos ojos
los que a mi vida traen luz y calor.

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Y en tu mirada mojada
vi que rezabas por mi alma, oh señor.
Y te vi llorar, un río a cada lado
de tu rostro sin desmaquillar,
como la propia Katy Jurado
con las nubes negras detrás.
te vi llorar, y qué podía hacer
(qué podía hacer)
si me hundía sin poder ponerme yo a llorar también.

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Y en tu mirada mojada
vi que rezabas por mi alma, oh señor.
Y te vi llorar, un río a cada lado
de tu rostro sin desmaquillar,
como la propia Katy Jurado
con las nubes negras detrás,
como el negro escuchando a Van Zandt cantar
"Waitin' around to die",
como Juana de Arco al arder,
como el santo a punto de perder la fe,
te vi llorar.

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Y entre el dolor y la nada
elegí el dolor

entre el dolor y la nada
elegí el dolor
entre el dolor y la nada
elegí el dolor
entre el dolor y la nada
elegí el dolor.


(Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, en la inolvidable Al final de la escapada, de Godard)

Saturday, 24 May 2008

Cine rarito con mayúsculas: pornografía muda


(Aviso: post únicamente orientado a personas mayores de edad. Si no lo eres y sigues leyendo, lo haces bajo tu propia responsabilidad).
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En Joel Loves Clementine estoy acostumbrado a comentar de vez en cuando cine "no convencional, "rarito". Sin embargo, lo de hoy me ha dejado sin palabras... ¡porno mudo amigos, porno mudo!
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Los amigos del gemido tendrán que conformarse con el sonido de un elegante piano que da a todas las escenas un toque añadido de glamour, y los zooms y demás efectos de cámara son "más limitados" que los de hoy día, pero por lo demás, no se notan los años para nada. Pornografía pura y dura sin un solo gesto de recato.
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De lo mejor que he encontrado en mi vida por Internet. No sé, ¡es que me siento como Alfonso XII! Polissons et Galipettes y Forbidden Movies from the Brothels of Paris se titulan (a mí, me gusta más la primera): auténtico hardcore francés de los años 20 (a pesar de que en aquella época los mas prolificos en este campo fueron los viciosillos de la antigua URSS).

Recordando... Lumière and Company


Los directores Merzak Allouache, Theo Angelopoulos, Vicente Aranda, Gabriel Axel, Bigas Luna, John Boorman, Youssef Chahine, Alain Corneau, Costa-Gavras, Raymond Depardon, Jaco van Dormael, Francis Girod, Peter Greenaway, Lasse Hallström, Michael Haneke, Hugh Hudson, James Ivory, Gaston Kaboré, Abbas Kiarostami, Cédric Klapisch, Andrei Konchalovsky, Spike Lee, Claude Lelouch, David Lynch, Ismail Merchant, Claude Miller, Sarah Moon, Idrissa Ouedraogo, Arthur Penn, Lucian Pintilie, Jacques Rivette, Helma Sanders-Brahms, Jerry Schatzberg, Nadine Trintignant, Fernando Trueba, Liv Ullmann, Régis Wargnier, Wim Wenders, Yoshishige Yoshida y Yimou Zhang se reunieron en un film con condiciones para conmemorar los 100 primeros años de cine.

¿Qué condiciones? Pues además de la de rodar con la misma cámara que 100 años atrás sirvió de fuente de inspiración a los Lumière, las limitaciones consistieron en rodar un plano secuencia de 52 segundos como límite, sin sonido sincronizado ni iluminación artificial, y con un máximo de tres tomas para su creación. El resultado fue curioso más que bueno. Muy curioso.


Bigas Luna:

Lumiere & Company - Bigas Luna

Win Wenders:

Lumiere & Company - Wim Wenders

Abbas Kiarostami:

Lumiere & Company - Abbas Kiarostami

David Lynch:

Lumiere & Company - David Lynch

Zhang Yimou:

Lumiere & Company - Zhang Yimou

Todos los trabajos, aquí.

Friday, 23 May 2008

Cannes 2008 (1)


Quería hacer una crónica extensa de Cannes, y puede que la haga tras los exámenes, pero como ahora no tengo tiempo os dejo una foto de lo mejor del festival.
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Todo lo demás, aquí.

Thursday, 22 May 2008

Pablo Serrano. Maestro en la ausencia

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Del 22 de Mayo al 19 de Junio, y gracias a la colaboración del Museo Pablo Serrano, se puede disfrutar en la Escuela de Arte de Zaragoza de una exposición del maestro, acompañado de cerámicas, grabados, joyas y esculturas que los alumnos de esta escuela han realizado a modo de homenaje.
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Esta exposición merece la pena, y no lo digo sólo porque una de las escultoras noveles sea mi hermana, de verdad. Que envidia... ¡encima no se conforma con una!

¡Hoy es EL DÍA!

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal ya está en nuestros cines (una de las primeras críticas en español, aquí)

PD

Manifiesto del cine de la transgresión (1985), por Orion Jeriko (pseudónimo de Nick Zedd).

"Nosotros, que hemos violado las leyes, mandamientos y obligaciones de la avant-garde; es decir, aburrir, tranquilizar y oscurecer a través de un desgraciado proceso dictado por la conveniencia práctica, nos declaramos culpables ante los cargos.
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Nosotros abiertamente renunciamos y rechazamos el establecido esnobismo académico que levantó un monumento a la haraganería conocido como Estructuralismo y procedió a encerrar a los cineastas que poseían la visión para ver más allá de esta farsa.
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Nosotros nos rehusamos a tomar su fácil acercamiento a la creatividad cinemática; un acercamiento que arruinó el underground de los sesenta cuando el castigo de la escuela de cine se hizo cargo.
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Legitimando cada descerebrada manifestación de realización de película sosa obligada por una generación de mal guiados estudiantes de cine emulando los fallos de profundamente inútiles mediocres como Brakhage, Snow, Frampton, Gehr, Breer, etc.; los lamentables centros de artes mediáticos y los críticos seniles han totalmente ignorado el innegable entusiasmo de los de nuestra clase - los "invisibles" del underground como Zedd, Kern, Turner, Klemann, DeLanda, Eros y Mare, y Direct Art Ltd., una nueva generación de cineastas que se atreven a desgarrar la paralizante camisa de fuerza de la teoría cinematográfica en un ataque directo sobre cada sistema de valores conocido por el hombre.
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Nosotros proponemos que todas las escuelas de cine sean dinamitadas y que nunca se vuelvan a hacer todas esas películas aburridas. Nosotros proponemos que un sentido del humor es un elemento esencial descartado por los temblorosos académicos y más, que cualquier película que no cause un shock no vale la pena ser vista.
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Todos los valores deben ser desafiados. Nada es sagrado. Todo debe ser cuestionado y confirmado para liberar nuestras mentes de la fe de la tradición.
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El crecimiento intelectual demanda que se tomen riesgos y que los cambios ocurran en los alineamientos políticos, sexuales y estéticos no importa quién los desapruebe.
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Nosotros proponemos ir más allá de todos los límites puestos o pre-establecidos por el gusto, la moralidad o cualquier otro sistema de valores que inmovilice las mentes de los hombres.
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Nosotros vamos más allá de y pasamos por arriba las ataduras de los milímetros, pantallas y proyectores hacia un estado de cine expandido.Nosotros violamos el mandamiento y ley de aburrir a las audiencias hasta la muerte en rituales de redundancia verbal y proponemos romper todos los tabúes de nuestra edad pecando todo lo posible. Que haya sangre, vergüenza, dolor y éxtasis, de una clase que nadie aún ha imaginado. Nadie saldrá ileso.
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Ya que no hay vida posterior, el único infierno es el infierno de rezar, obedecer leyes y rebajarse ante las figuras de la autoridad, el único paraíso es el paraíso de pecar, rebelarse, divertirse, coger, aprender cosas y romper tantas reglas como sea posible.
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Este acto de valor se conoce como transgresión.Nosotros proponemos la transformación a través de la transgresión -convertirse, transfigurarse y transmutarse hacia un plano más elevado de la existencia para llegar a la libertad en un mundo lleno de esclavos ignorantes".


Wednesday, 21 May 2008

Más allá de todo: el cine de la transgresión

"Antes del de Raimi, Zedd filmó un beso semejante"
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Un texto de Gonzalo Curbelo.
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Durante los ochenta, en plena era de Reagan, los yuppies, la adicción al trabajo, el nacionalismo belicista, Michael Jackson, Secretaria ejecutiva e intolerancias en general, parte de el arte norteamericano deambuló por caminos lejanos a los medios y la cultura oficial, radicalizándose en las pequeñas libertades de sus reducidos circuitos alternativos.

Así como musicalmente el hardcore y el hip-hop exponían las miserias del sueño americano conservador mediante fórmulas sonoras novedosas y escritores como Bret Easton Ellis y Dennis Cooper tanteaban los límites de la libertad de palabra, un reducido grupo de cineastas radicados en su mayoría en el Lower East Side, el en ese entonces peligroso barrio bohemio de Nueva York, decidían arremeter con todas sus fuerzas contra todas las convenciones, tanto académicas como morales del cine, y hacer escandalizar a cuanto espectador se pusiese frente a una de sus películas.

El resultado fue una serie de obras destinadas a horrorizar, asombrar, asquear, excitar y fascinar, es decir, a tratar de conmover al espectador por todos los medios. Mientras el mundo sonreía al compás de la perfecta dentadura de Tom Cruise y las películas de Luis Buñuel se convertían en atracciones de museos e instituciones en contra de las cuales fueron filmadas, personajes como Nick Zedd, Richard Kern y Tommy Turner hacían borrosa la frontera entre arte y vida real y volvían sus cámaras hacia el lado feo de Estados Unidos, consiguiendo una serie de provocativas estampas del infierno que irradiaban maldad, violencia y belleza ocasional, en un cine que pretendía ir más allá de todas las fronteras establecidas por la sociedad.
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Una mujer, interpretada por un hombre, pega una imagen de Cristo en la pared de un baño, luego se desviste y se introduce en la bañera, donde se corta las venas. Luego llega su novio, quién entra en el baño para usar el inodoro, sin percatarse de la presencia del cadáver. Después de defecar y al no encontrar papel higiénico se limpia con la imagen de Cristo. Con los pantalones aún bajos descubre el cuerpo de su novia en la bañera y procede a practicar una fellatio con la boca de la muerta hasta eyacular. Fin.
Atención: contenido "FUERTE"




Este es, a grandes rasgos, el argumento de Thrust in Me (Introduce en mí), colaboración entre Nick Zedd (quien interpreta a la mujer exceptuando la escena del desnudo) y Richard Kern, y forma parte de la colección de historias cortas The Manhattan Love Suicides (Los suicidios de amor de Manhattan, 1984) de Kern, una de las obras fundamentales de lo que ha venido a denominarse como "Cine de la Transgresión" y que se trata básicamente de una serie de obras realizadas por un grupo de cineastas neoyorquinos durante los años ochenta, producidas con medios irrisorios y exhibidas de forma subterránea.

Fácilmente atacable tanto por sus aspectos técnicos y por su deliberada intención de provocar, el Cine de la Transgresión hizo de estos defectos sus rasgos distintivos, convirtiéndose en un equivalente visual de lo más radical del punk-rock, con el que se relaciona directamente, a la vez que continuaba la provocativa tradición del cine underground norteamericano, en particular las obras de Jack Smith, Kenneth Anger, Andy Warhol y John Waters, condimentándolo con un mucho mayor grado de obsesión por el sexo y la muerte.
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Surgido inmediatamente después del movimiento conocido como No Wave, corriente musical neoyorquina que se caracterizaba por su extremo nihilismo y la deliberada fealdad de su música, el Cine de la Transgresión se nutrió con integrantes de la No Wave como Lydia Lunch y se mantuvo fuertemente relacionado con las bandas subterráneas del Nueva York de los ochenta, en particular de las bandas del Lower East Side, que conformarían movimientos más o menos definidos como el Scum Rock o el Noise.

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La relación con el rock es esencial para entender los trabajos de estos cineastas, en su mayoría cortometrajes en blanco y negro, en los que en muchas ocasiones se limitan a retratar personajes inverosímiles de la escena rockera del Downtown neoyorquino, y que utiliza recursos en ocasiones emparentados con el video-clip, sólo que con intenciones estéticas radicalmente diferentes a las del material que se ve habitualmente en MTV (no obstante lo cual Richard Kern ha dirigido varios video-clips exhibidos en MTV, incluyendo algún trabajo para ese payaso provocador profesional que es Marilyn Manson).

El Cine de la Transgresión es también, y a pesar de nacer en una de las ciudades más ricas del planeta, un cine de la pobreza en el que las extremas dificultades de exhibición, lo poco redituable de las pocas conseguidas y la ausencia absoluta de auspicios y subvenciones han hecho que la financiación de los mismos dependa de sus propios autores o de sus amigos, utilizando película robada o encontrada, en ocasiones rollos solarizados y descartados o filmaciones documentales perdidas y utilizadas a modo de samplers dentro de nuevos contextos, y filmando con actores no profesionales (generalmente ni siquiera actores).

Atención: contenido "FUERTE"





Rechazadas por la casi totalidad de las salas de proyección, incluyendo a las orientadas hacia el cine arte, estas obras terminaron siendo proyectadas en discotecas, salas de conciertos e inclusive lugares públicos, en arriesgadas exhibiciones ilegales. A pesar de todas estas limitaciones y dificultades, el Cine de la Transgresión logró la suficiente trascendencia como para convertir sus películas en objetos de culto y provocar la edición de varios estudios relacionados con el tema, que han convertido a sus figuras más emergentes (Zedd, Kern) en autores reconocidos, aunque no especialmente populares, que han dejado una perdurable influencia en el cine secreto de Estados Unidos de los noventa.

Ideólogo básico y fundador del Cine de la Transgresión, Nick Zedd es un personaje tan extraño como su obra. Nacido en Washington D.C., Zedd tuvo una adolescencia solitaria y aparentemente trastornada por el descubrimiento del dadaísmo y el surrealismo, y por una temprana experiencia con LSD.

Después de filmar algunos cortos en Super 8, Zedd se mudó a la ciudad de Nueva York, donde estudió arte y llevó una vida errática y bohemia, relacionándose con los circuitos cinematográficos subterráneos y llegando a conocer a Jack Smith, el legendario autor de Flaming Creatures (Criaturas flameantes). Su primer filme, They Eat Scum (Ellos comen basura, 1979), llamó la atención con una historia delirante sobre rockeros en un mundo post-apocalipsis.

La película incluía varias escenas de canibalismo, bestialismo y crueldad general que la emparentaba con el polémico cine que Scott y Beth B. estaban realizando en esa época, pero, además de hacer un hincapié mayor en los elementos polémicos, la película exhudaba un nihilismo y un humor totalmente distintos a la velada corrección política de Beth B.

Su segunda obra The Bogus Man (El hombre falso,1980) sí tenía elementos políticos más definidos en un argumento confuso sobre el secuestro y clonación del presidente de los Estados Unidos. Esa trama básica se veía interrumpida periódicamente por la aparición de una mujer gorda desnuda (en realidad un disfraz que los espectadores descubren luego de algunas apariciones) bailando frente a una bandera norteamericana.
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Dicho personaje, en un rasgo de humor autorreferente de Zedd, repetía constantemente la frase "¿por qué mis ojos tienen que ver esto?", algo que se repetiría en su obra siguiente Geek Maggot Bingo (1983), en la que hacía decir al tambaleante punk-rocker Richard Hell en medio de un decorado pintado a mano sobre cartones: "¿Qué tal algo de director Nick?" y advertía a mediados del filme: "Váyanse ahora, esto no va a mejorar".

Las siguientes películas de Zedd muestran una variedad de intereses, abandonando progresivamente la narración lineal, incluyendo obras como Kiss Me Goodbye (Bésame de despedida, 1986), un corto sobre un beso que se va convirtiendo en un estrangulamiento; la ya mencionada Thrust in Me y la semi-pornográfica Whoregasm (Putasmo,1988), filmada en algunos segmentos con un rollo de película solarizada encontrado en un tacho de basura.

También filmó tres obras que son esenciales para entender la estética del Cine de la Transgresión y la complicada mente de Nick Zedd: Police State (1988) es básicamente y como su nombre (Estado policial) lo indica una violenta crítica a la policía y a las instituciones represivas en general, que cuenta la detención y posterior tortura y mutilación de un joven en una comisaría, en un acto de crueldad gratuita narrada en forma lineal e interpretada por el propio Zedd. La notable secuencia inicial, en la que una mano anónima escribe el título de la película sobre la parte posterior de una patrulla policial, fue filmada disimuladamente frente a una comisaría y un error de cámara significó que dos autos policiales patrullaran ese día con dicha frase escrita en sus carrocerías.
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War is Menstrual Envy (La guerra es envidia menstrual, 1992) es la obra más ambiciosa de Zedd y prescinde deliberadamente de diálogos para acumular una serie de imágenes chocantes o estilizadas de extraños personajes evolucionando sobre un fondo musical de hip-hop y noise.

La película utilizaba varios freaks auténticos como un hombre con el cuerpo y el rostro lleno de horribles quemaduras y otro tatuado de pies a cabeza, y debía ser proyectada en dos pantallas simultáneas, al estilo del Chelsea Girls (1968) de Andy Warhol. Sin embargo, posiblemente la más reveladora de las películas de Zedd sea The Wild World of Lydia Lunch (El salvaje mundo de Lydia Lunch, 1983), que es básicamente un documental de un viaje realizado por el cineasta con su entonces pareja, la cantante y performer Lydia Lunch, y que registra el auténtico deterioro de la relación, culminando con un mensaje telefónico de Lunch que fue utilizado sin el consentimiento de la misma.

Con actos como éste, sumados a su intención de subsistir en forma parasitaria de sus relaciones, no es de sorprender que Zedd sea un personaje poco popular en algunos circuitos neoyorquinos. Imposibilitado económicamente de realizar una nueva película, Zedd escribió una autobiografía, Bleed (Sangra) que presentó en una escandalosa conferencia de prensa en la que varias personas se presentaron para reclamarle cuentas pendientes.

Desde entonces se encuentra inmerso en varios proyectos aún no concretados por los mencionados problemas económicos y realizando giras de exhibición de sus películas por Europa, giras que más de una vez han terminado con su detención y el secuestro de sus filmes, excesivamente fuertes incluso para el liberal pensamiento europeo.

Posiblemente el cineasta underground más célebre de la actualidad, Richard Kern es, a pesar del lapsus que significó su período de adicción a la heroína, un autor más prolífico que Zedd y aún más provocador, habiendo conformado una nutrida obra en la que la voluntad de escandalizar y chocar al espectador está siempre presente. Kern, punk-rocker fracasado, comenzó su carrera como cineasta con Goodbye 42 Street (Adiós a la calle 42, 1983), una fantasía sobre las trastiendas de las casas de pornografía ubicadas en la calle 42, a lo que siguió con un par de cortos sobre heroinómanos inyectándose y vomitando a causa de la droga.

Conectado con Zedd y con su entorno, fue elegido por Lydia Lunch para dirigir The Right Side of my Brain (El lado derecho de mi cerebro, 1984), en la que la performer exponía verbal y físicamente su particular vida sexual acompañada por personajes que incluían a Henry Rollins, cantante de Black Flag, y al propio Kern.

Tras este film, Kern realizó una de sus obras más conocidas y tal vez la más emblemática del Cine de la Transgresión, la ya mencionada The Manhattan Love Suicides. La película consistía de cuatro cortos referentes a violentas relaciones sentimentales, entre los cuales, además de su Thrust in Me, su colaboración con Zedd, se contaban I Hate You Now (Te odio ahora), un violentísimo mini-drama sobre asesinato y auto-desfiguramiento protagonizado por el también cineasta transgresor Tommy Turner y Stray Dogs (Perros vagabundos), protagonizada por el artista plástico David Wojnarowicz que cuenta la historia de un homosexual enamorado de un pintor que sigue al objeto de su deseo hasta su casa y, ante el rechazo del mismo, se hace pedazos literalmente ante la mirada sonriente del pintor que utiliza la escena para comenzar un dibujo.

La película se completaba con Woman at the Wheel (Mujer al volante), también repleta de sexo y muerte, esta vez en clave automovilísitica. A partir de The Manhattan Love Suicides, Kern produjo una serie de películas orientadas a shockear al espectador de forma explícita: You Killed Me First (Ustedes me mataron primero, 1985) presentaba a la actriz-icono del Cine de la Transgresión, una joven de aspecto extraño y personalidad próxima a la locura llamada Lung Leg, personificando a una adolescente que tras haber sido quemados sus dibujos por su madre, asesina en forma cruel a toda su familia.

Submit to Me (Sométete a mí, 1985) y Submit to Me Now (Sométete a mí ahora, 1987) parecen confirmar la tésis sostenida por Mike Hostench en su libro Pantalla de sangre de que Kern no siempre busca la provocación deliberada y que muchas veces se limita a retratar a su entorno del Lower East Side, entorno por demás decadente para la óptica media.
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Estos dos filmes no-narrativos muestran una serie de actos sexuales y performances sado-masoquistas, intercalados con escenas de sobredosis, suicidios y muerte en general. La desaparición del argumento o trama en estas películas lleva un paso más allá lo expuesto por Kern de la siguiente forma: "Yo tomo lo que me interesa de las películas y lo pongo en un formato más corto para no aburrirme. Lo que le interesa al público americano es el sexo, la violencia y el lado sórdido de la vida".

Fingered (Dedeada,1986) es tal vez su obra más conocida y es una nueva colaboración con Lydia Lunch, y que narra una tormentosa relación de una pareja de viajeros que culminan violando y asesinando en una auto-estopista. El lenguaje de la película es de un grado de obscenidad tal que en una universidad un grupo de amigos realizaba "Fingered-parties" consistentes en ver el film y tomar un trago de cerveza cada vez que se pronunciaba la palabra "fuck", terminando la exhibición absolutamente borrachos.

En The King of Sex (El Rey del Sexo, 1987) hizo transvestirse nuevamente a Nick Zedd para narrar una fantasía sexual sin demasiado interés pero bastante porno. Simultáneamente a estas películas, Kern filmó videos para grupos neoyorquinos como Cop Shoot Cop o los siempre atentos Sonic Youth, a los que hizo personificar al Clan Manson para ilustrar su canción 'Death Valley 69' y participó en alarmantes performances en las cuales simulaba asesinar a un miembro del público durante conciertos de Lydia Lunch.
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Después de un período calamitoso en lo personal en el que Kern deambuló por San Francisco adicto a las drogas pesadas y en compañía de todo tipo de criminales, el director volvió a filmar, tras una difícil desintoxicación, optando por cortos menos violentamente explícitos y más estilizados como X= Y (1990), que consistía esencialmente de una serie de mujeres hermosas jugando con armas de fuego o Nazi (1991), strip-tease de una bella bailarina vestida de S.S. que culmina saludando a la usanza nazi a la bandera norteamericana.
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También comenzó a ser reconocido como fotógrafo, medio al cual dedica actualmente la mayor parte de su tiempo. Sin embargo sus últimas obras conocidas, My Nightmare (Mi pesadilla, 1992) y Sewing Circle (Círculo de costura, 1992), demuestraban que a pesar de las desintoxicaciones y cambios de vida los demonios de Kern seguían latentes: My Nightmare presenta a Kern masturbándose y fantaseando sobre una modelo y Sewing Circle es básicamente una filmación de la performer Kembra Pfahler haciéndose coser los labios de su vagina.

Otros transgresores
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Dentro de un número considerable pero no excesivamente elevado de directores seguidores de la estética del Cine de la Transgresión, destacan los nombres de Tommy Turner, Casandra Stark Mele y Tessa Hughes-Freeland.
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Tommy Turner, amigo de Nick Zedd y Richard Kern, ha producido una pequeña cantidad de obras en solitario o en colaboración, entre las que se destacan la nunca estrenada Where Evil Dwells (Dónde yace el mal, 1985), basada en un horripilante caso real sobre un adolescente que asesinó a un compañero de clase en el transcurso de un ritual satanista, y Rat Trap (Trampa de ratas, 1986), que describe en forma paralela la vida de un drogadicto y la disección de una rata.

Casandra Stark Mele es una especie de equivalente femenino (y feminista) de Nick Zedd y ha producido un par de películas, entre las que se cuenta We are not to blame (No nos culpen, 1989), que cuenta una historia de locura y muerte protagonizada por dos hermanas que mereció reconocimiento incluso fuera de los circuitos transgresores y que fue re-editada en forma drástica por su autora después del estreno, haciendo desaparecer a todos los personajes masculinos.

Tessa Hughes-Freeman es una directora inglesa ligada tardíamente con el Cine de la Transgresión pero con ambiciones estéticas más elaboradas que no impiden la aparición de escenas impactantes en sus películas Dirty (Sucia, 1992), historia de una borracha que pierde el control de sus funciones intestinales y termina conversando sobre el concepto de lo desagradable con un botones, y Nymphomania (1994), fábula mitológico-transgresora sobre una ninfa que es violada por un fauno descomunal.
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También se podría hablar de artistas y colaboradores ocasionales como Lydia Lunch, David Wojnarowicz o el brutal performer Joe Coleman (un artista educadísimo y culto que ha devorado ratas vivas durante sus performances) o de varias bandas musicales que formaron parte del entorno creativo de este cine que, si bien ha ido desapareciendo al desvanecerse su impacto original, continúa desarrollándose de la mano de nuevos autores en los circuitos alternativos de Nueva York.

Gran parte de las obras del Cine de la Transgresión pueden parecer, apenas quince años después de su realización, como infantiles y obsoletas en sus recursos para escandalizar, pero prevalecen como registro de una mentalidad combativa y nihilista que reaccionó contra todo lo establecido y pueden rastrearse vestigios de su influencia en obras de cineastas actuales reconocidos como Danny Boyle y Lars Von Triers (no en Rompiendo las olas, evidentemente).
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Los cineastas de la transgresión no tuvieron la oportunidad de ser domesticados y asimilados por el sistema porque la pobre distribución de su películas, difíciles de conseguir inclusive en Nueva York, y la radicalidad de las mismas hizo que Hollywood no demostrara el más mínimo interés en sus realizadores, de los cuales tan sólo Richard Kern parece haber logrado una cierta trascendencia artística.

El Cine de la Transgresión le devolvió significado a una palabra (transgresión) que se había convertido en una etiqueta de marketing, llevándola tal vez demasiado lejos pero ampliando a la vez el alcance del concepto de libertad creativa y vital. Y pensar que en el Río de la Plata todavía relacionamos a la palabra "transgresor" con Marcelo Tinelli.
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Otro texto interesante sobre el tema, aquí.

Monday, 19 May 2008

Thetrailermash.com


Éste es el trailer original de Los diez mandamientos de DeMille:



Y éste, un trailer alternativo con diferente montaje y sonido:



¡Increíble! ¡Lo que me pude reír la primera vez que lo vi! Podéis encontrar miles de trailers semejantes en Thetrailermash.com, una web en la que, sin querer, te puedes pegar horas. Os dejo dos más buenísimos:


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Los Lügers revientan la sala Arrebato


El Sábado pasado la apisonadora Lüger disparó toda su metralla sonora a discreción en un concierto breve pero intenso, muy intenso. Un sonido certero y sin fisuras acompañado de un show y una presencia no menos estimulante... ¿qué más se puede pedir? Gente magnífica alrededor: y la hubo.
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Enhorabuena y gracias a todos. Estaré allí la próxima.



"Son buenos estos Lügers..."

Saturday, 17 May 2008

Simplemente Woody


"Una vez, va y me secuestran. Estaba parado delante de la escuela cuando de pronto llega un coche negro, bajan dos tipos y me preguntan si quiero ir con ellos a un país donde todo son hadas y duendes y podré tener todos los tebeos que quiera, y bombones de chocolate, y golosinas, ya saben. Y yo les dije que sí. Entonces subí al coche con ellos, porque pensé, "qué diablos, este fin de semana tampoco tengo nada que hacer". Así que se me llevan y envían a mis padres una nota de rescate. Pero resulta que mi padre tiene malos hábitos de lectura, y aquella noche se acostó con la nota de rescate y se quedó dormido antes de terminarla. Entretanto, me llevan a Nueva Jersey maniatado y amordazado. Cuando mis padres comprenden por fin que estoy secuestrado, pasan a la acción de inmediato: alquilan mi habitación.

La nota de rescate dice que mi padre debe dejar mil dólares dentro de un árbol hueco en Nueva Jersey. Reunir los mil dólares no le costó nada, pero al cargar el árbol hueco hasta Nueva Jersey se hernió.

(...) El FBI rodea la casa. "Soltad al chico -exigen-, dadnos las pistolas y salid con las manos en alto." Los secuestradores contestan: "Soltaremos al chico, pero dejad que nos quedemos las pistolas y que subamos al coche." El FBI dice: "Soltad al chico y subid al coche, pero dadnos las pistolas." Los secuestradores insisten: "Soltaremos al chico, pero dejadnos quedar con las pistolas, no necesitamos el coche." El FBI contesta: "Quedaos con el chico.. ." Esperen un momento, creo que aquí he metido la pata. El FBI decide utilizar gases lacrimógenos. Pero no tienen gases lacrimógenos, de manera que varios de los agentes empiezan a interpretar la escena de la muerte de Camille. Con los ojos arrasados de lágrimas, mis secuestradores se rinden. Los condenan a quince años de trabajos forzados, pero doce de ellos se fugan, unidos por una larga cadena sujeta a los tobillos, haciéndose pasar por una gigantesca pulsera de amuletos.

(...) Y ahora viene una historia que les parecerá increíble. Una vez cacé un alce. Me fui de cacería a los bosques del estado de Nueva York y cacé un alce. Así que lo aseguré sobre el parachoques de mi automóvil y emprendí el regreso a casa por la carretera de West Side. Pero lo que yo no sabía es que la bala no le había penetrado en la cabeza; sólo le había rozado el cráneo y lo había dejado inconsciente. Y justo cuando estaba cruzando el túnel de Holland, el alce se despertó.
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Así que estaba conduciendo con un alce vivo en el parachoques, y el alce hizo señal de girar. Y en el estado de Nueva York hay una ley que prohíbe llevar un alce vivo en el parachoques los Martes, los Jueves y los Sábados. Me entró un miedo tremendo. Y de pronto lo recordé: unos amigos míos celebraban una fiesta de disfraces. Iré allí, me dije. Llevaré el alce. Me desprenderé de él en la fiesta. Ya no será responsabilidad mía. Así que me dirigí a la casa de la fiesta y llamé a la puerta. El alce estaba a mi lado. Cuando el anfitrión abrió, lo saludé: "Hola, ya conoces a los Solomon. " Entramos. El alce se incorporó a la fiesta. Le fue muy bien. Ligó y todo. Un tipo se pasó una hora y media tratando de venderle un seguro.

Dieron las doce de la noche, y empezaron a repartir los premios a los mejores disfraces. El primer premio fue para los Berkowitz, un matrimonio disfrazado de alce. El alce quedó segundo. ¡Eso le sentó fatal! El alce y los Berkowitz cruzaron sus astas en la sala de estar, y quedaron todos inconscientes. Yo me dije: Ésta es la mía. Me llevé el alce, lo até sobre el parachoques y salí pitando hacia el bosque. Pero me había llevado a los Berkowitz. Así que estaba conduciendo con una pareja de judíos en el parachoques. Y en el estado de Nueva York hay una ley que, los Martes, los Jueves y muy especialmente los Sábados... A la mañana siguiente, los Berkowitz despertaron en pleno bosque disfrazados de alce. Al señor Berkowitz le dieron caza, lo disecaron y lo colocaron como trofeo en el Club Atlético de Nueva York. Pero les salió el tiro por la culata, porque es un club donde no se admiten judíos".

Friday, 16 May 2008

Pulp Fiction & The Del-Tones



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La mejor película de Tarantino, dicen. Sin embargo, yo no estoy de acuerdo.


Lo que sí es indiscutible es que estamos ante algo grande, a la altura de Dick Dale y sus Del-Tones... ¿no? Un interesantísimo análisis de la película, aquí.