Tyler en estado larvario

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Siento mucho mi constante inconstancia. Entre el síndrome post-exámenes, la natación, Henry Miller y Larva no doy a basto. Pero sigo viendo mucho cine y poniendo alguna entradilla en perversiones joellovesclementinianas... Espero volver y revolver más a menudo a Joel Loves Clementine. Mientras tanto, les dejo esta foto de un bar zaragozano que homenajea a la primera película del sonoro. Es agradable saber que la cinefilia también ataca al sector de la hostelería, al menos en mi ciudad. ¡Nos vemos!

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Oda al cine mudo (por Paul Auster)

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"Yo no era aficionado al cine (…). Me gustaba igual que a todo el mundo: para mí era una distracción, papel pintado en movimiento, una nimiedad. Por muy bellas o hipnóticas que a veces fueran las imágenes, nunca me daban tanta satisfacción como las palabras. Era demasiado explícito, pensaba yo, no dejaba bastante espacio a la imaginación del espectador, y la paradoja consistía en que cuanto más se acercaba el cine a simular la realidad, menos lograba representar el mundo: tanto lo que está en nosotros como a nuestro alrededor. Por eso siempre había preferido instintivamente los films en blanco y negro a las películas en color, el cine mudo al hablado. Se trataba de un lenguaje visual, de una forma de contar historias proyectando imágenes en una pantalla de dos dimensiones. La incorporación del sonido y del color había creado la ilusión de una tercera dimensión, pero al mismo tiempo había robado pureza a las imágenes. Ya no eran ellas quienes se encargaban de todo, y en vez de hacer del cine el medio híbrido perfecto, el mejor de los mundos posibles, el sonido y el color habían debilitado el lenguaje que debían haber realzado (…). Pese a todos los cambios que habían sobrevenido desde entonces (…), [el cine mudo] resultaba tan fresco y estimulante como lo había sido el día del estreno. Aquello se debía a que (…) habían inventado una sintaxis de la mirada, una gramática de cinética pura, y salvo por el vestuario, los coches y el anticuado mobiliario que aparecía en segundo plano, su obra no podía envejecer. Era pensamiento plasmado en acción, voluntad humana expresándose mediante el cuerpo humano, y por tanto era para siempre. En su mayoría, las películas mudas no se habían molestado en contar historias. Eran como poemas, como interpretaciones de sueños, como intrincadas coreografías del espíritu, y, al estar ya muertas, quizá a nosotros nos llegaban más profundamente que a los espectadores de su época. Las veíamos al otro lado de un gran abismo de olvido, y las mismas cosas que las separaban de nosotros eran en realidad las que las hacían tan fascinantes: su silencio, su ausencia de color, su ritmo irregular, acelerado (…). Ya no teníamos que fingir que estábamos contemplando el mundo real. La pantalla plana era el mundo, y existía en dos dimensiones. La tercera dimensión estaba en nuestra cabeza".

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Paul Auster. El libro de las ilusiones.

The Inner Life of Martin Frost 2007 Paul Auster Laurent Petitgand

En El libro de las ilusiones volveréis a encontrar todas las constantes del autor de La trilogía de Nueva York.
Lo que más me fascina de este hombre es su inabarcable juego de espejos vida-ficción-realidad. De una surge la otra, mientras la ficción vuelve de nuevo a trastocar la realidad. Veamos un ejemplo: Paul Auster estuvo interesado en su juventud por el cine, tanto que pasó un tiempo escribiendo guiones que él creía relegados al olvido, pues no tenía medios ni capacidad para llegar a reflejarlos en pantalla. El título de uno de ellos fue La vida interior de Martin Frost. En El libro de las ilusiones, David Zimmer es un profesor de literatura muerto en vida tras el fallecimiento de su familia que, rico a causa de la desgracia, agota su tiempo escribiendo un libro sobre un autor de cine mudo desconocido (y que no existe en la realidad): Hector Mann. ¿La razón? Él le arrancó su primera sonrisa tras el accidente, él fue el responsable de mostrarle que todavía había alguna posibilidad de seguir con su vida. Al final del libro consigue ver una película inédita de dicho cineasta que acabará siendo pasto de las llamas. ¿Su título? La vida interior de Martin Frost. En 2007 Paul Auster estrenó nueva película: sí, era La vida interior de Martin Frost. ¿Y os he dicho ya que Auster comenzó a escribir tras hacerse rico por una herencia?

Christophe Beaucarne David Thewlis, Irène Jacob, Sophie Auster, Michael Imperioli

¡ZARAGOZA 3D!

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Notición: "Los nuevos cines de la cadena Yelmo CinePlex que se inaugurarán en el Parque Comercial y de Ocio Plaza Imperial de Zaragoza, que abre sus puertas al público el próximo 3 de septiembre, contarán entre sus salas con una que ofertará cine en 3D (...).
En este cine, se ofrecerán las películas que se realicen en este formato (...) y otros eventos "alternativos" (...), como el próximo concierto del grupo (...) U2.

También permitirá que la ciudad de Zaragoza vea en 3D un ciclo de ópera del célebre Covent Garden de Londres, con un programa que se inicia el próximo 8 de septiembre con la exhibición del Don Giovanni de Puccini.
El nuevo complejo cinematográfico, cuenta con los mayores adelantos tecnológicos en todas sus salas con sonido digital y pantallas supergigantes (...).
Otro tipo de eventos que tienen cabida en este formato 3D son espectáculos los deportivos (...).

Con doce salas y 3.000 butacas, los cines Yelmo de Plaza Imperial se convierten en los mayores de Aragón, 500 de las cuales son "butacas rojas" (...) con sistema de vibración sincronizado con la película (...). Además, la sala de Zaragoza cuenta también con el servicio "Print at Home" (...), que permite (...) comprar e imprimir la entrada desde casa por medio de internet, con lo que ya no hay que pasar por taquilla ni siquiera para recoger la entrada".

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Igual me equivoco y el 3D es el próximo Odorama, pero desde Joel Loves Clementine siempre he opinado que estamos ante el futuro del cine. Mis experiencias con el 3D se limitan a la atracción dedicada a Cariño, he encogido a los niños de Disneyland París, el documental 3D de James Cameron sobre el Titanic que vi en los Imax de Madrid y muy poco más, pero creo que es una tecnología con grandes posibilidades expresivas para cualquier cineasta creador que se precie y lo que es -casi- más importante: el 3D sorprende e impacta a los espectadores yahevistotodoenestavida tan típicos del siglo XXI e Internet.

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Al principio nos conformaremos alucinados con los inocentes viajes al centro de la tierra de Brendan Fraser, al igual que salían despavoridos de las salas al ver un tren en la pantalla los primeros espectadores de los albores del cine mudo. Y en los comienzos, probablemente no veremos más que una saturación de efectos y más efectos visuales, al igual que con la llegada del sonoro los cines se llenaron de musicales, pero creo que con el tiempo pediremos más y mejor, y el 3D se transformará en la cantera de mil y una nuevas capacidades expresivas y dramáticas que jamás antes alcanzamos a imaginar.

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Esa es mi visión. La creencia de que en el 3D está el futuro. De que tras Avatar (aquí, su poster) algo cambiará en el cine (No olvidemos otro detallito: la experiencia 3D es impirateable).

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Por mi parte, mañana mismo iré por si ya está abierta. Habrá que probar la sala, ¿no?

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Waaaaall·EEEE... ¡¡Eeeeevaaaaaaaa!!

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Con tanto Batman no he tenido tiempo de comentar Wall·E, peliculón a la altura del film de Christopher Nolan (si no por encima). El problema es que a mí todo lo oscuro me obnubila, lo cual no implica que no me haya quedado fascinado también con la luminosa (aunque su crítica al futuro huxleiano que nos espera tiene muuuucha miga y mala leche) y fresca nueva obra maestra de los de Pixar, que, una vez más, han vuelto a subir un listón que sólo ellos alcanzan. Estos tíos son unos genios (por cierto: menudo verano más agradable -cinematográficamente hablando- hemos tenido entre unos y otros).

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En mi próxima entrada comentaré muy brevemente el resto de películas que he podido ver en los cines durante el verano, pero aquí sólo hablaré del entrañable Wall·E. Aunque más que yo, que hablen otros (ganas tengo, mas no tiempo).

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Allá van unas críticas: pinchad aquí, aquí, aquí o aquí.

¡¿Que no te gusta el cine mudo?! ¡Pues toma dos tazas!

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Que las disfruten los paladares versados en lo exquisito. 1: guardad bien este superlink que he encontrado navegando por la red:

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http://personal.telefonica.terra.es/web/bluegardenia/cinemudo1.html

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2: ahora que falta poco para Wall·E, esa nueva obra maestra de Pixar con un delicioso homenaje inicial al mudo incluido, qué menos que esto:

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Cine rarito con mayúsculas: pornografía muda

(Aviso: post únicamente orientado a personas mayores de edad. Si no lo eres y sigues leyendo, lo haces bajo tu propia responsabilidad).

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En Joel Loves Clementine estoy acostumbrado a comentar de vez en cuando cine "no convencional, "rarito". Sin embargo, lo de hoy me ha dejado sin palabras... ¡porno mudo amigos, porno mudo!

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Los amigos del gemido tendrán que conformarse con el sonido de un elegante piano que da a todas las escenas un toque añadido de glamour, y los zooms y demás efectos de cámara son "más limitados" que los de hoy día, pero por lo demás, no se notan los años para nada. Pornografía pura y dura sin un solo gesto de recato.

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De lo mejor que he encontrado en mi vida por Internet. No sé, ¡es que me siento como Alfonso XII! Polissons et Galipettes y Forbidden Movies from the Brothels of Paris se titulan (a mí, me gusta más la primera): auténtico hardcore francés de los años 20 (a pesar de que en aquella época los mas prolificos en este campo fueron los viciosillos de la antigua URSS).

Recordando... Lumière and Company

Los directores Merzak Allouache, Theo Angelopoulos, Vicente Aranda, Gabriel Axel, Bigas Luna, John Boorman, Youssef Chahine, Alain Corneau, Costa-Gavras, Raymond Depardon, Jaco van Dormael, Francis Girod, Peter Greenaway, Lasse Hallström, Michael Haneke, Hugh Hudson, James Ivory, Gaston Kaboré, Abbas Kiarostami, Cédric Klapisch, Andrei Konchalovsky, Spike Lee, Claude Lelouch, David Lynch, Ismail Merchant, Claude Miller, Sarah Moon, Idrissa Ouedraogo, Arthur Penn, Lucian Pintilie, Jacques Rivette, Helma Sanders-Brahms, Jerry Schatzberg, Nadine Trintignant, Fernando Trueba, Liv Ullmann, Régis Wargnier, Wim Wenders, Yoshishige Yoshida y Yimou Zhang se reunieron en un film con condiciones para conmemorar los 100 primeros años de cine.

¿Qué condiciones? Pues además de la de rodar con la misma cámara que 100 años atrás sirvió de fuente de inspiración a los Lumière, las limitaciones consistieron en rodar un plano secuencia de 52 segundos como límite, sin sonido sincronizado ni iluminación artificial, y con un máximo de tres tomas para su creación. El resultado fue curioso más que bueno. Muy curioso.

Bigas Luna:

Lumiere & Company - Bigas Luna

Win Wenders:

Lumiere & Company - Wim Wenders

Abbas Kiarostami:

Lumiere & Company - Abbas Kiarostami

David Lynch:

Lumiere & Company - David Lynch

Zhang Yimou:

Lumiere & Company - Zhang Yimou

Todos los trabajos, aquí.

Erich von Stroheim

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La época muda del cine fue el originario caldo de cultivo de todo lo que hoy se hace -cinematográficamente hablando-, y como todas las etapas primigenias de cualquier arte, resulta verdaderamente fascinante.

Resumiendo: el cinematógrafo de los Lumière y su llegada del tren, el viaje a la luna del genio innovador Méliès, las persecuciones de Williamson, Pathé y sus estudios, Gaumont, el asalto y robo de un tren de Porter, el “film d’art”, Musidora, Rocambole y/o Paulina, Häxan, Dreyer, Hollywoodland, Zukor, la grandiosa intolerancia del maestro Griffith, primer gran poeta del cine, Thomas H. Ince, primer dramaturgo, el western, Theda Bara, Louise Brooks y/o Rodolfo Valentino, United Artists, Douglas Fairbanks, las comedias de Max Linder, Keaton, Lloyd, Sennett y el “superdotadísimo” Chaplin, Sjöström y Stiller, la escuela impresionista (Delluc, L’Herbier, Abel Gance o Epstein), Lubitsch, la escuela expresionista alemana y el gabinete de Wiene, Murnau y la metrópolis de Lang, el acorazado de Eisenstein “y compañía” (Kulechov, Vertov, Pudovkin, Dovjenko…), Pabst, las vanguardias futuristas, dadaístas y surrealistas, y Buñuel, Cocteau, Renoir, el sombrero de paja italiano de Clair, De Mille, el primer Ford, el mundo en marcha de King Vidor, Howard Hawks, Greta Garbo, Amanecer, los hampones de Sternberg y, finalmente, la poliédrica e inabarcable leyenda del infravalorado director y actor Erich von Stroheim. ¡Casi nada-¡y lo que me he dejado!-!

Ignorando a genios pioneros como Méliès o el gigante Griffith y a otros maestros posteriores sobradamente reconocidos como Eisenstein, Buñuel, Murnau, Lang o Chaplin (de los pocos que, como Stroheim, lucharán contra la potente maquinaria fría y metalizada que en aquellos tiempos ya es Hollywood), siento la necesidad de hablar de Erich von Stroheim, una gran personalidad -de las más grandes- del cine mudo a la que -según mi punto de vista- nunca se le ha dedicado el espacio que merece.

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Los orígenes familiares de Stroheim se mantuvieron ocultos durante su vida tras una nube impenetrable que el propio interesado se ha encargó de alimentar. Él siempre insistió en que procedía de una familia noble centroeuropea, pero en realidad Erich Oswald, pues así se llamaba, nació en Viena el 22 de septiembre de 1885 en una familia de comerciantes judíos. Estudió en la Academia Militar de Viena hasta que desertó en 1909 y emigró a los Estados Unidos por deudas.

Una vez allí, trabajó en lo que pudo, desde empleos menores hasta otros más variopintos como actor, cantante de music-hall o presentador de desfiles de modas. Mostraba también cierto interés por la escritura, por las obras de teatro y las novelas baratas. Entró en el cine como extra y especialista. El capitán Macklin (1914), de Jack Conway, supuso su debut como actor y su primer contacto con John Emerson, uno de los directores estadounidenses que iniciaban por aquel entonces su carrera y con el que colaboró como actor y ayudante de dirección en otras seis películas.

No obstante, el director de estos primeros años que más le marcó en su carrera fue el gran David Wark Griffith, con el que trabajó como actor en El nacimiento de una nación (1915) -¡haciendo de negro!- y, posteriormente, como actor y ayudante de dirección en Intolerancia (1916). Stroheim se vio sorprendido en este caso por la capacidad de Griffith para romper con la mentalidad de la época y desarrollar proyectos de gran envergadura que, sin duda, le ilustraron para sus posteriores trabajos como director.

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Tras el aprendizaje al lado de Griffith y Raoul Walsh, Stroheim consiguió que el productor Carl Laemmle, propietario de la Universal, le dejara dirigir Blind Husbands (1919), adaptación de Pinacle, una de sus obras. Aquí ya aparece como actor principal, interpretando a un militar aristocrático “amante del buen vino, las mujeres y las canciones”. El éxito obtenido por esta película le permitirá a Stroheim continuar con su carrera al lado de Laemmle, quien le produjo sus dos siguientes trabajos: La ganzúa del diablo (1920) y Esposas frívolas (1922) (es por estos años cuando Erich von Stroheim comienza a definir en gran medida el perfil de su personaje más conocido, el de oficial prusiano -“el hombre que a usted le gustaría odiar”-, un rostro incapaz de mostrar un resquicio de humanidad, implacable aunque juerguista y frívolo, capaz de reírse de sus “orígenes” aristocráticos a fuerza de hacer creer que no hacía más que interpretarse a sí mismo. Respecto a su vida personal, también se cuentan numerosísimas historias sórdidas y extravagantes. Famosas son sus supuestas -y habituales- orgías, en las cuales las actrices eran encerradas durante más de 20 horas con el realizador, y salían con marcas de latigazos, mordiscos… y drogadas. Algo, por otra parte, bastante habitual por aquella época -pregúntenselo a Chaplin-).

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Stroheim no había perdido de vista las enseñanzas de su maestro Griffith (aunque hay que reconocer que a diferencia de otros grandes cineastas como Stenberg, Hitchcock o Ford, Stroheim no era estrictamente un director profesional: no sabía sacar una película a partir de un guión. Stroheim dirigía simplemente mediante su fuerza creadora y su visión personalísima, como el músico que improvisa jazz ante su público). En Esposas frívolas vio la oportunidad de demostrar que también sabía dominar el espacio y la acción en marcos inigualables y sorprendentes para la época. El ambiente de trabajo que rodeó la producción fue bastante tenso, por cuanto el rodaje se prolongó nueve meses más de lo establecido y en el montaje se produjo un fuerte enfrentamiento entre Stroheim, Laemmle y su asesor, Irving Thalberg. El director quería estrenar una película de seis horas en dos partes, postura a la que se oponían la mayoría de los distribuidores y exhibidores del momento. Además, los contenidos de la película no resultaban del todo aconsejables para que el estreno pudiera ser apto para un público masivo, dado que contenía escenas escabrosas y consideradas indecentes por los diversos comités moralistas y por el propio productor. La película rezumaba insinuaciones acerca de la decadencia de la aristocracia y, a caballo del horror y la ternura, Stroheim consiguió elaborar un cuadro en el que se sucedían los momentos de inestabilidad, morbosidad e irracionalidad, siempre en un marco cotidiano y con la constante de una crítica hacia ciertos valores efímeros de la vida. Un espectáculo, en definitiva, trasgresor que difícilmente pudo superar las barreras morales y comerciales de la época.

El director de producción Irving Thalberg, le obligó finalmente a cortarla por la mitad, y durante el rodaje de Los amores de un príncipe fue despedido. Así, von Stroheim se convirtió en el primer director despedido de la historia. A pesar del despido, trabajó para la Goldwyn, que le produjo Avaricia en 1923. Durante el largo rodaje del film, que duró más de 9 meses, a los que siguieron 6 de montaje, la Goldwyn se unió con la Metro Corporation. El jefe que le había amargado la vida en la Metro, Irving Thalberg, volvió y se produjo otro enfrentamiento entre director y productor, quien redujo el metraje de la película de las 9 originales montadas por el director (a partir de las 96 horas de material filmado) a sólo dos horas y la saboteó. Erich von Stroheim nunca quiso ver el resultado de esa mutilación de su obra.

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Avaricia, mastodonte feo y brutal sobre la condición humana, es su obra maestra. Decía Dante: “La avaricia es de naturaleza tan malvada y perversa, que jamás sacia su voraz apetito, y después de comer tiene más hambre que antes”, es una enfermedad degradante que te lleva a acumular riquezas, a transformarte en un ser egoísta, perverso, mentiroso, vil y cruel, un ser al que solo le interesa poseer cuantas más riquezas mejor sin importarle a quien arroya en su camino hacia su “felicidad”. En este film épico, Stroheim realiza un retrato sobre la codicia del ser humano, sobre la miseria a la que le puede conducir un exceso de avaricia, de locura por la acumulación de capital.

En este film destaca sobre todo el constante simbolismo de Stroheim a lo largo de la película, en cada acción hay un elemento que nos recuerda una idea que quiere reflejar el director, incluso lo propios actores llevan en su personaje características implícitas, de forma que cuando sale uno de los protagonistas en la escena ya sabemos de antemano el cariz que va a tomar la película, sin embargo la maestría de Stroheim reside en todo lo contrario, la sorpresa, la impresión que nos produce el cambio de carácter de los personajes (justificado siempre) y que nos lleva a acoplarnos a otra nueva realidad inventada por el director alemán.

Los detalles que vemos a lo largo de toda la película son excelentes, por ejemplo, el entierro que pasa por detrás de su casa cuando se están casando premonitor del desastre futuro, el gato y los periquitos. Este detalle es el más increíble de la película. El gato representa a Marcus y los periquitos en su jaula representan el matrimonio de Trina y McTeague. Trina se siente encerrada en su jaula, vigilada por su marido, Marcus está al acecho de los dos pájaros, celoso de la fortuna que posee su amigo.

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En la escena final en la que Marcus y McTeague se quedan en el desierto sin agua y sin saber qué hacer, pensando en el oro y en sus vidas desperdiciadas por su avaricia. Esta secuencia intercala el humor negro con la tragedia. Nos recuerda la frase que Marcus le dice a McTeague al comienzo de la película: “Amigos hasta el final”(o hasta la muerte). Este personaje me llama la atención puesto que, al principio aporta un toque de humor al filme, el director alemán consigue que nos caiga bien el personaje y, de hecho, disfrutamos con su presencia, en cambio, al final, lo despreciamos al igual que al resto de los protagonistas por su codicia. No nos entristecemos por su muerte sino que más bien pensamos que “les estuvo bien” por ser tan avariciosos, se nos presenta como una buena moraleja: El dinero no proporciona la felicidad. El simbolismo maravilloso que invade todo el filme y la trama con la cual Stroheim consigue que los espectadores estén en vilo hasta el final, sorprendiéndonos en cada secuencia, es lo que concede a esta grandiosa película el carácter de obra maestra.

Tras Avaricia, y en compensación por todos los cortes que la película había sufrido, Thalberg le dio amplio presupuesto para rodar La viuda alegre, versión muda de la famosa opereta de Victor Leon y Leon Stein, película que se convirtió en un gran éxito, siendo uno de sus pocos trabajos que no fue manipulado por productores. Después fue contratado por la Paramount y realizó La marcha nupcial, pero su larga duración hizo que los problemas se repitieran una vez más. El estudio la dividió en dos partes para su exhibición y Stroheim no lo aceptó porque se daba a la segunda parte el nombre de "Luna de miel".

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En 1928, la actriz Gloria Swanson convenció a su amante, el banquero Joseph P. Kennedy, para que financiara La reina Kelly, un proyecto del controvertido director con ella de protagonista donde una vez más la acción transcurre en un inventado país centroeuropeo en medio de una decadente aristocracia. Durante el rodaje se deterioraron las relaciones entre director y estrella, la censura presionó para que se cambiara el final (situado en un prostíbulo africano) y la llegada del sonido cambió muchas cosas: Joseph P. Kennedy se dedicó a la política y la película quedó inacabada. En 1931 Gloria Swanson estrenó una versión sonorizada de la parte grabada y en 1985 se distribuyó una versión en la que aparecían algunas fotografías y nuevos rótulos.

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Su actividad como director acabó a los 48 años con ¡Hola hermanita!, su única producción sonora, con la que volvió a tener problemas con las productoras y que acabó en el olvido.

Durante la primera mitad de los años treinta volvió a trabajar como actor, guionista y asesor en irregulares filmes. En 1937 Jean Renoir le ofreció encarnar al comandante Rauffenstein en La gran ilusión. Esto le llevó a Francia donde intervino en 16 películas. La II Guerra Mundial le llevó de vuelta a los Estados Unidos y rodó allí nuevas películas, entre las que destacan Cinco tumbas sobre el Cairo de Billy Wilder, donde interpreta al mariscal Rommel y el policiaco de Anthony Mann El Gran Flamarion.

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Tras esto volvió a Francia, donde le ofrecieron peores papeles pero le trataron mejor. En 1950 Wilder le llamó para que co-protagonizara El crepúsculo de los Dioses, donde interpreta a Max von Mayerling, ex director, chófer y mayordomo de la antigua estrella del cine mudo, Norma Desmond, interpretada por su antigua colaboradora, Gloria Swanson. Un papel hecho a su medida.

Murió el 12 de mayo de 1957.

Stroheim, maestro que miraba “detrás de los cerrojos corridos”, tropezó constantemente con los prejuicios de la moral más convencional y pacata, mientras que a su vez culminaba y destruía toda la estética del cine mudo; en palabras de Bazin: “Es necesario que un lenguaje exista para que destruirlo sea un progreso; la obra de Stroheim es la negación de todos los valores de su época”. A la discontinuidad del cine mudo, basado en el arte del montaje y la hipertrofia significativa del plano, Stroheim opuso la continuidad y coherencia espacio-temporal de las escenas, convertidas en unidades de acción dramática. Es por ello que también debería ser considerado un visionario, el gran pionero que dejó atrás el cine mudo con pasos de gigante que anunciaban proféticamente la estructura narrativa del cine sonoro que estaba a punto de nacer.

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Cineasta obsesivamente perfeccionista, actor devora-personajes y leyenda negra del Hollywood feliz de los años 20, Erich von Stroheim es una figura cuya verdadera dimensión, aunque parezca mentira, está todavía por ponderar.

Filmografía completa como director:

1919 - Corazón olvidado (Blind Husbands)

1920 - La ganzúa del diablo (The Devil's Passkey, film perdido)

1922 - Esposas frívolas (Foolish Wives)

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1923 - Los amores de un príncipe / El carrusel de la vida (Merry-Go-Round)

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1923-25 - Avaricia (Greed)

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1925 - La viuda alegre (The Merry Widow)

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1926-28 - La marcha nupcial (The Wedding March)

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1928 - Luna de miel (The Honeymoon)

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1928 - La reina Kelly (Queen Kelly)

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1932-33 - ¡Hola hermanita! (Walking Down Broadway/Hello Sister)

Recordando... Haxän, de Benjamin Christensen

A un 63% la tengo... ¡Qué ganas! Ahora ya sólo me faltará ver la "versión Burroughs".

Segundo de Chomón: el Méliès turolense

Segundo de Chomón (Teruel, 1871 – París, 1929):

Director, iluminador y especialista de efectos especiales y trucajes de revelado, Segundo de Chomón era hijo de un médico aragonés. Cursó estudios secundarios y trabajó como escribiente y delineante hasta que, entusiasmado por el cinematógrafo de los hermanos Lumière, viajó a París en 1897 para estudiar de cerca aquel nuevo invento. En la capital francesa se casó con la actriz teatral y de vodevil, Julienne Alexandre Mathieu, una presencia constante en gran parte de su obra.

En 1897, Chomón abandona París para alistarse como voluntario en la guerra de Cuba, que España mantenía contra Estados Unidos. Dos años después, volvió a París para reencontrarse con su esposa y para comenzar su relación con el cine coloreando a mano y fotograma a fotograma las películas de la productora Pathé. Su objetivo era la realización de películas fantásticas que fueran capaces de competir con las del genio cinematográfico George Méliès (1861–1938), con quien frecuentemente se le comparó. A partir de 1901, el cineasta turolense empieza a viajar con relativa frecuencia a Barcelona, donde rueda los que se consideran sus primeros filmes como director. Son grabaciones sobre las diferentes vistas de las montañas de Montserrat y del Tibidabo, en la capital catalana; es el caso de Ascensión al Montserrat (1901). En esta ciudad Chomón conoce a Alberto Marro (1878–1956) y a los hermanos Ricardo (1884–1939) y Ramón Baños (1890–1980), que producirán algunas de las películas que Chomón dirigiría en los años próximos.

En 1902, Chomón ejerce como representante comercial de la productora francesa Pathé en Barcelona. Se encarga de la traducción de los rótulos franceses al castellano y del coloreado de las películas. En ese mismo año rueda Choque de trenes (1902), en la que combina trenes reales con maquetas para reconstruir el trágico accidente. Este filme es un ejemplo del interés que Chomón demostró por los trucajes y efectos cinematográficos.

Este pionero del cine español aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. En 1903 se embarcó en dos nuevos proyectos: Pulgarcito y Gulliver en el país de los gigantes, adaptaciones de los cuentos de Charles Perrault y Jonathan Swift, respectivamente, en las que utiliza por vez primera sobreimpresiones y rodaje a dos escalas para conseguir el efecto de gigantes y enanos.

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En 1904 rueda un espectacular filme de género bélico titulado Los sitios de Chile, a partir de maquetas y efectos pirotécnicos sobreimpresionados. Además, colabora en espectáculos modernistas e investiga las relaciones entre cine y teatro y las posibilidades que el cine sonoro puede aportar a estas manifestaciones artísticas. Con Eclipse de sol (1905), Segundo de Chomón introduce en España el paso de manivela, es decir, la filmación fotograma a fotograma que permite, en los intervalos de la filmación, la alteración de la posición o la desaparición de los objetos situados delante la cámara. Ese año lleva al cine la adaptación del cuento popular La gallina de los huevos de oro (1905).

(Le Kiriki)

Ese mismo año, Chomón vuelve a París donde, a través de la Pathé, investiga y pone en práctica sus innovaciones técnicas y su pasión por la experimentación (filmación fotograma a fotograma, planos cenitales, movimientos invertidos, encadenados, utilización de cachés, tomas de diferentes proporciones y sobreimpresiones). Gracias a la libertad de creación de la que Chomón goza en la productora francesa, es capaz de realizar filmes fantasmagóricos y escenas de transformaciones. Es el caso de las películas Ladrones nocturnos (1905), La casa hechizada (1906), filme precursor de las transparencias (técnica que proyecta imágenes en una pantalla situada detrás de los actores); Satán se divierte (1907), El castillo encantado, El teatro del pequeño Bob (1908) y El sueño del cocinero (1909). Su película más conocida es El hotel eléctrico (1908), primer filme español en el que se utiliza el rodaje de objetos animados fotograma a fotograma y que presenta a un matrimonio que llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática.

(El hotel eléctrico)

Chomón también trabajó durante esa época como técnico en otras producciones de la Pathé, como es el caso de La vida y la pasión de Nuestro Señor Jesucristo (1907), de Lucien Nonguet. En esta película, Chomón se encargó de los trucajes, la fotografía y los movimientos de cámara, consiguiendo realizar diversos travelling montando la cámara sobre ruedas de patines. De este modo, Segundo de Chomón rivalizó con otro de los grandes magos y pioneros del cine y los trucajes fotográficos: George Mèliés. En 1909 la productora Pathé no le renueva el contrato porque consigue que Mèliés trabaje para la compañía. Chomón decide regresar a Barcelona en donde rueda Viaje a Júpiter, Viaje a Marte (1909) y una serie de cine populista y castizo basado en zarzuelas, sainetes y dramas como es el caso de Un portero modelo, El pobre Valbuena, realizada a partir de un guión de Carlos Arniches (1866–1943); La manta del caballo, Lucha fratricida o Nobleza aragonesa, Justicias del rey Don Pedro, La hija del guardacostas, Los guapos, Flores y perlas, Flema inglesa o La flecha de Pepín, La del puñao de rosas (1910), entre muchas otras. Debido a las limitaciones técnicas, económicas y comerciales del cine español, Chomón abandona España y se traslada a Turín en 1912, donde es contratado como operador y técnico de efectos especiales por la compañía Ítalo Films para la que realiza trabajos de sobreimpresiones y maquetas que él mismo fotografía. Chomón volverá a disfrutar de la libertad creativa y contará con su propio equipo técnico especializado en fotografía, iluminación y trucajes de las películas producidas por la compañía.

La mayor parte de su carrera la desarrolló en Francia e Italia. En este último país colaboró en películas de cineastas italianos para las que construyó y fotografió espectaculares maquetas. Entre la lista de sus invenciones destacan las trasparencias, cortinillas, muñecos animados y coloreado a mano. El inicio de la I Guerra Mundial afectó drásticamente al desarrollo de la industria cinematográfica italiana, lo que supuso la hegemonía mundial de la producción, distribución y exhibición norteamericanas, además de la reducción de la producción cinematográfica. Aunque Chomón siguió colaborando de manera regular con la productora Ítalo Films, se asoció con otra productora llamada Albertini Film entre los años 1919 y 1921, hasta que en 1926 se incorpora a la Sociedad del Film en Color Keller–Dorian de París para investigar las posibilidades del cine en color y colaborar en algunas producciones francesas como El negro que tenía el alma blanca (1926), del director español Benito Perojo, y que será su último trabajo para la gran pantalla.

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Después de un viaje profesional a Marruecos para ensayar un nuevo procedimiento del cine en color para un film documental que se estaba rodando allí, Chomón cayó gravemente enfermo y murió en París poco tiempo después.

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(extraído de Vidas de cine, interesante web sobre directores españoles -otra biografía, aquí-)

(El método de colorear los fotogramas se llamaría posteriormente Pathé Color, pero fue ideado, en realidad, por el español Segundo de Chomón, y consistía en pintar manualmente las escenas fotograma a fotograma. Junto con Les Kiriki, ésta es una de los primeros films que emplean en toda su longitud esta técnica, por lo demás muy costosa y que a los pocos años fracasaría).

Recordando... The man with the movie camera

He logrado conseguir esta joya del montaje, puro virtuosismo de Vertov (¡estamos hablando de 1929!), que recomiendo a todo aquel que no la haya visto. Esto de internet es un auténtico filón para cualquier aficionado al cine mudo y/o no convencional que se precie. Por cierto, la útil Series Pando ya no existe; ahora se conoce con otro nombre: Universo Ácido.

Recordando... Limelight: Chaplin + Keaton

¿Chaplin o Keaton? Yo me quedo con Chaplin.

(Soñadores)

Musas (8): Silent Ladies (1)

Pearl White

Theda Bara

Louise Brooks

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Mary Pickford


Norma y Constance Talmadge

Myrna Loy

Mary Philbin

Mary Miles Minter

Lillian Gish

Dorothy Gish

Joan Crawford

Janet Gaynor

Gloria Swanson

Dolores del Río

Dolores Costello


Clara Bow

Corinne Griffith

Colleen Moore

Blanche Sweet

Betty Compson

Continuará con... Renée Adoré, Eagnes Ayres, Vilma Banky, Madge Bellamy, Enid Bennett, Eleanor Boardman, Mary Brian, Betty Bronson, Marguerite Clark, Viola Dana, Bebe Daniels, Marion Davies, Mildred Davis, Marceline Day, Marguerite de la Motte, Carol Dempster, Billie Dove, Greta Garbo, Leatrice Joy, Alice Joyce, Doris Kenyon, Laura laPlante, Lila Lee, Bessie Love, Mae Marsh, May McAvoy, Nita Naldi, Pola Negri, Anna Q Nillson, Anita Page, Zasu Pitts, Marie Prevost, Jobyna Ralston, Dorothy Sebastian, Norma Shearer, Alice Terry, Florence Vidor, Lois Wilson, Clara Kimball Young...

Recordando... Louise Brooks, Theda Bara, Mary Pickford, Clara Bow y otras 'silent ladies'

Los 100 personajes más famosos de la historia del cine (y algunos más), según la revista Fotogramas y mi humilde opinión

El nuevo especial Cuadernos de cine de Fotogramas se ocupa de intentar seleccionar y perfilar por orden cronológico a los 100 personajes más famosos de la historia del cine (y algunos más… -concretamente, 128). Aquí dejo a lista completa, para regocijo de mis más mitómanos lectores:

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01. Charlot / Charles Chaplin.

02. Pamplinas / Buster Keaton.

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03. Lola Lola / Marlene Dietrich (El ángel azul).

04. Hermanos Marx.

05. El monstruo / Boris Karloff (El doctor Frankenstein).

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06. Tarzán / Johnny Weissmuller.

07. King Kong.

08. Reina Cristina / Greta Garbo.

09. Susan Vance / Katharine Hepburn (La fiera de mi niña).

10. Cantinflas / Mario Moreno.

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11. Dorothy Gale / Judy Garland (El mago de Oz).

12. Robin Hood / Errol Flynn.

13. Scarlett O’Hara / Vivien Leigh (Lo que el viento se llevó).

14. Serlock Holmes / Basil Rathbone.

15. Sra. Danvers / Judith Andreson (Rebeca).

16. El zorro / Tyrone Power.

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17. Charles Foster Kane / Orson Welles.

18. Regina / Bette Davis (La loba).

19. Rick Blaine / Humprey Bogart (Casablanca).

20. Fú Manchú / Henry Brandon.

21. Marie Browning / Lauren Bacall (Tener y no tener).

22. Laura Hunt / Gene Tierney.

23. Pina / Ana Magnani (Roma, ciudad abierta).

24. George Bailey / James Stewart (¡Qué bello es vivir!).

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25. Gilda / Rita Hayworth.

26. Wyatt Earp / Henry Fonda (Pasión de los fuertes).

27. Juana la loca / Aurora Bautista (Locura de amor).

28. Juana de Arco / Ingrid Bergman (prefiero a Marie Falconetti).

29. Mr. Belvedere / Clifton Webb (Niñera moderna).

30. Norma Desmond / Gloria Swanson (El crepúsculo de los dioses).

31. Will Kane / Gary Cooper (Solo ante el peligro).

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32. Don Lockwood / Gene Nelly (Cantando bajo la lluvia).

33. Maria de Ritis / Gina Lollobrigida (Pan, amor y fantasía).

34. Gelsomina / Giulietta Masina (La Strada).

35. María Vargas / Ava Gardner (La condesa descalza).

36. Vienna / Joan Crawford (Johnny Guitar).

37. La Chica / Marilyn Monroe (La tentación vive arriba).

38. Jim Stark / James Dean (Rebelde sin causa).

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39. Baby Doll Meighan / Carroll Baker.

40. Ethan Edwards / John Wayne (Centauros del desierto).

41. Reverendo Harry Powell / Robert Mitchum (La noche del cazador).

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42. Juliette Hardy / Brigitte Bardot (Y Dios... creó a la mujer).

43. María Luján / Sara Montiel (El último cuplé).

44. Phileas Fogg / David Niven (La vuelta al mundo en ochenta días).

45. Sissí / Romy Schneider.

46. Billy el Niño / Paul Newman.

47. Cécile / Jean Seberg (Buenos días, tristeza).

48. Drácula / Christopher Lee.

49. Gigi / Leslie Caron.

50. Madeleine Elster / Kim Novak (De entre los muertos).

51. Monsieur Hulot / Jacques Tati (Mi tío).

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52. Antoine Doinel / Jean-Pierre Léaud.

53. Judah Ben-Hur / Charlton Heston.

54. Michel Poiccard / Jean-Paul Belmondo (Al final de la escapada).

55. Roger Thornhill / Cary Grant (Con la muerte en los talones).

56. C.C. Baxter / Jack Lemmon (El apartamento).

57. Cesira / Sophia Loren (Dos mujeres).

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58. Espartaco / Kirk Douglas.

59. Marcello Rubini / Marcello Mastroiani (La dolce vita).

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60. Norman Bates / Anthony Perkins (Psicosis).

61. Tom Ripley / Alain Delon (A pleno sol).

62. Aida Zepponi / Claudia Cardinale (La chica con la maleta).

63. Holly Golightly / Audrey Hepburn (Desayuno con diamantes).

64. Wilma Dean / Natalie Wood (Esplendor en la hierba).

65. Bruno Cortona / Vittorio Gassman (La escapada).

66. Catherine / Jeanne Moreau (Jules et Jim).

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67. James Bond / Sean Connery.

68. Lolita / Sue Lyon (Aunque sea únicamente por su belleza, prefiero a Dominique Swain).

69. Atticus Finch / Gregory Peck (Matar a un ruiseñor).

70. Cleopatra / Elizabeth Taylor.

71. Inspector Clouseau / Peter Sellers.

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72. Irma / Shirley MacLaine (Irma la dulce).

73. Julius Kelp / Buddy Love / Jerry Lewis (El profesor chiflado).

74. Príncipe don Fabrizio Salina / Burt Lancaster (El Gatopardo).

75. Tom Jones / Albert Finney.

76. Lara Antipova / Julie Christie (Doctor Zhivago).

77. Maria / Julie Andrews (Sonrisas y lágrimas).

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78. Alfie / Michael Caine.

79. Barbarella / Jane Fonda.

80. Bonnie Parker / Faye Dunaway (Bonnie and Clyde).

81. Ginebra / Vanessa Redgrave (Camelot).

82. Mrs. Robinson / Anne Bancroft (El graduado).

83. Hal 9000 / Douglas Rain (2001: Una odisea en el espacio).

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84. Frank Bullit / Steve McQueen (Bullit).

85. Dolly Levi / Barbra Streisand (Hello, Dolly!).

86. Gustav von Aschenbach / Dirk Bogarde (Muerte en Venecia).

87. Harry Callahan / Clint Eastwood.

88. Rally Bowles / Liza Minnelli (Cabaret).

89. Vito Corleone / Marlon Brando.

90. Regan Teresa MacNeil /Linda Blair (El exorcista).

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91. Emmanuelle / Sylvia Kristel.

92. Carrie White / Sissy Spacek.

93. Rocky Balboa / Sylvester Stallone.

94. Travis Bickle / Robert De Niro (Taxi Driver).

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95. Darth Vader / David Prowse.

96. Tony Manero / John Travolta (Fiebre del sábado noche).

97. Sandy Olsson / Olivia Newton-John (Grease).

98. Superman / Christopher Reeve.

99. Mad Max / Mel Gibson.

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100. Jack Torrance / Jack Nicholson (El resplandor).

101. Indiana Jones / Harrison Ford.

102. E.T.

103. Dorothy Michaels / Dustin Hoffman (Tootsie).

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104. Tony Montana / Al Pacino (El precio del poder).

105. Azarías / Paco Rabal (Los santos inocentes).

106. Freddy Krueger / Robert Englund.

107. Terminator / Arnold Schwarzenegger.

108. Denys Finch Hatton / Robert Redford (Memorias de África).

109. Elizabeth / Kim Basinger (Nueve semanas y media).

110. John McClane / Bruce Willis (La jungla de cristal).

111. Vizconde Sebastian de Valmont / John Malkovich (Las amistades peligrosas).

112. Cyrano de Bergerac / Gérard Depardieu.

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113. Eduardo Manostijeras / Johnny Depp.

114. Vivian Ward / Julia Roberts (Pretty Woman).

115. Hannibal Lecter / Anthony Hopkins.

116. Catherine Tramell / Sharon Stone (Instinto básico).

117. Forrest Gump / Tom Hanks (¿cuándo llegará ‘Gump and co.’? ¿no hay huevos eh?).

118. Francesca Johnson / Meryl Streep (Los puentes de Madison).

119. Ethan Hunt /Tom Cruise (Misión: Imposible).

120. Austin Powers / Mike Myers.

121. Jack Dawson / Leonardo DiCaprio (Titanic).

122. Torrente / Santiago Segura.

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123. Neo / Keanu Reeves (Matrix).

124. Máximo / Russell Crowe (Gladiator).

125. Harry Potter / Daniel Radcliffe.

126. Gollum / Andy Serkis (Trilogía ‘El señor de los anillos’).

127. La Novia / Uma Thurman (Kill Bill).

128. Raimunda / Penélope Cruz (Volver).

Al comienzo de la revista ya aclaran: ‘Podrían haber sido 50 o 253, pero son 128’ (…) ‘Añadan sobre la línea de puntos todos aquellos nombres ilustres que les apetezca. En el paraíso de la eternidad caben todos los que son. Y muchos más’. Pues bien, antes de terminar nombraré a unos cuantos personajes a los que yo he echado en falta. Para muchas personas sobrará más de uno, para otras faltarán puñados, pero al menos, aporto mi granito de arena. Allá van (¡y aviso que no son pocos!):

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Del cine mudo añadiría a unos cuantos personajes, como el mito de la vamp, popularizado por Theda Bara, o el de la ingenua de Mary Pickford, que aunque no son exactamente 'personajes' creo que deberían ser incluidos por su papel de pioneros y por su importancia futura. Ya como personajes echo de menos a Rocambole, al doctor Caligari, a Paulina (Pearl White), a la Mata Hari de Garbo, a Lulú (Louise Brooks), al portero interpretado por Emil Jannings en El último -ya sé que he dado un buen salto en el tiempo pero no me voy a poner a ordenar cronológicamente todo lo que me va saliendo de la cabeza- o al conde WadisLas Sergius Karamzin (Erich von Stroheim), por poner varios ejemplos.

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También me parece injusto no incluir a actrices de la talla de Jean Harlow (¡con todas las zorras míticas que nos ha dejado!:-), de ignorar la producción cinematográfica de algunos países (como Rusia: ¿qué hay del zar de Eisenstein o de Chapáev, el guerrillero rojo?) o a algunos géneros (como el documental -para mí Nanuk también es un personaje inolvidable-). Y han tendido a elegir al azar a algunos personajes del fantástico dejándose a más de uno en el tintero (El hombre invisible, El hombre lobo, la vampiresa Carmilla...).

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Más personajes: pues por ejemplo, los animados ¿Por qué no podrían haber aparecido Mickey Mouse, Alicia o Betty Boop -o Popeye, o Blancanieves, o Pinocho, o Dumbo, o El rey león-? Echo de menos también a Quinlan (Sed de mal), a la Isadora / Vanesa Redgrave, a M, al Capitán Ahab (Moby Dick) y a Kusiemski y su Venus de las pieles.

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Como fallos imperdonables detecto unos cuantos: por ejemplo, a Randle P. Murphy / Jack Nicholson en Alguien voló sobre el nido del Cuco, a Lawrence de Arabia o a la Rose Loomis /Marilyn Monroe de Niágara (¿por que salga ya en La tentación vive arriba no puede repetir?). Ese feo de no dejar repetir a ningún actor a lo largo de la lista también lo sufren Marlon Brando (Kowalski / Ley del deseo, Paul / El último tango en París, Coronel Kurtz / Apocalipse Now...) y Robert De Niro (Jake La Mota / Toro Salvaje, Mike Vromsky / El Cazador, Max Cady / El cabo del miedo...). Tampoco me olvido de otros cómo Mónica / Harriet Andersson (Un verano con Mónica) o L. B. Jeffries / James Stewart (La ventana indiscreta).

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También añadiría a Séverine / Catherine Deneuve de Belle de Jour, a Mira Breckinridge /Raquel Welch, a Verónica Voss (La ansiedad de Verónica Voss), a cualquier personaje de Natasha Kinski:-), a Lucía / Charlotte Rampling de El portero de noche, a la pareja de moteros de la mítica Easy Rider...

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... a Bryan (La vida de Bryan -otro fallo imperdonable-), a Bo Derek en 10, la mujer perfecta, al fotógrafo Thomas / David Hemmings de Blow Up, a Sada (Eiko Matsuda) de El imperio de los sentidos, a Thelma -o a Louise-, a Thomas Crown -Steve o Brosnan, me da lo mismo-, a Coffy o Foxy Brown (Pam Grier) y a Annie Hall (Diane Keaton).

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Creo que con los superhéroes ha pasado lo mismo que con Brando o De Niro, y Superman ha borrado de un plumazo a otros igual o más importantes que él cinematográficamente hablando, como Batman, Robocop, Spiderman, 'Conan' o Flash Gordon. Y dentro del cine español, pondría a Marisol / Pepa Flores mucho antes que a Sara Montiel o a cualquiera (y algún personaje de Amanece que no es poco también se hubiera agradecido). Y si me sale la vena freaky nunca olvidaré en mi lista a Serpiente Plissken / Kurt Russell (1997: Rescate en Nueva York; 2013: Rescate en Los Ángeles) o a Barbwire / Pamela Anderson -sí, con un par-.

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En el plano del terror / ciencia ficción me parece injusto haber olvidado a personajes tan imprescindibles cómo Cara de Cuero (La matanza de Texas), Michael Myers (Halloween), Alien, Depredador, La familia Adams o Rick Deckard / Harrison Ford (Blade Runner). Y cambiando de género, Natalie Portman / Mathilda (León el profesional) me puede, tengo que incluirla sí o sí.

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Los últimos años me parecen muy ricos en creación de personajes difíciles de olvidar, y es aquí donde menos de acuerdo estoy con la selección realizada por Fotogramas: el androide David Swinton de Inteligencia Artificial, Renton / Ewan McGregor (Trainspotting), varios personajes de Jim Carrey (La Máscara, Ace Ventura, Truman -El show de Truman-...) o Edward Norton (Aaron -Las dos caras de la verdad-, Derek Vinyard -American History X-, Jack -El club de la lucha-...) el fauno de la película de Guillermo del Toro, William Wallace / Mel Gibson (Braveheart), Kaisser Soccé (Sospechosos habituales)...

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...Julie / Ludivine Sagnier (Swimming pool), Santico Pandemonium / Salma Hayek (Abierto hasta el amanecer), James / James Spader (Crash), Isabelle / Eva Green (Soñadores), Luisa / Maribel Verdú (Y tu mamá también), Lucía / Paz Vega (Lucía y el sexo), Uma Thurman en Pulp Fiction, la boxeadora Maggie / Hilary Swank de Million Dollar o Charlotte / Scarlett Johansson (Lost in translation -a pesar de no ser un gran fan de estos dos últimos films) deberían aparecer en la lista -si no todos, una buena parte-. Y ya no hablemos de mis últimos personajes fetiche, a mi parecer imprescindibles, como Amèlie /Audrey Tautou, Borat Sagdiyev / Sacha Baron Cohen -y tampoco olvidemos a Mr. Bean- o el Raoul Duke / Johnny Depp de Miedo y asco en Las Vegas.

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Y dejando como pistas finales que mi nick es Tyler Durden y mi blog se llama Joel Loves Clementine, creo que sabréis ya cuáles son los dos personajes cuya no aparación en la lista de Fotogramas jamás perdonaré...

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